过去半年里面，人们听到最多的字眼就是“危机”、“风暴”，“倒闭”，伴随着有百年历史的老牌银行一朝歇业，美国政府的一道道救市金牌，华尔街已经变成“风声鹤唳，草木皆兵”的荒漠，那怕是端坐在高档写字楼里的人们，似乎也都能感受到金融危机带来的阵阵凉意。当然，作为和人们生活密切相关的时尚产业，自然也无法在这场经济危机中独善其身，而且，它受到的损失甚至更大……

1.推销说，时尚消费不会受到经济危机影响。她在撒谎。

有一个和经济危机直接相关的时尚现象，很有意思，那就是裙摆理论。它是指在经济的繁荣程度和女性的裙摆长度成正比例关系。简单通俗的说就是：经济繁荣时代，女性的裙摆会越来越短；经济一旦进入衰退，短裙则随之变成长裙。历史上世界经济的波动一次次在证明着这一点，在资本主义发展的黄金事情——上个世纪20年代，年轻女子都穿短裙，但1929年股市大崩溃时，裙子都拉长了。1960年迷你裙流行时股市飙升，到了上个世纪70年代阿拉伯石油禁运，美国经济不振，当时流行的裙子却开始长及脚踝。

基本上，我们能将这个理论等同于：繁荣时期，人们热衷享受，而衰退时期里，保守主义和节俭的观念就大行其道了。这样一来，和享受生活直接相关的时尚产业，岂不是要遭受第一轮打击？

事实上，这样的假设并非耸人听闻。以和这次经济危机很相似的1929年举例，灾难前的美国经济好的出奇。汽车产量从1919年的150多万辆增加三倍，达到平均每六人一辆汽车的水平。到1927年，亨利·福特已经卖了1500万辆T型车。在加拿大，1918年的汽车总数只有区区30万辆；而十年之后，这一数字已经飙升到190万。发电量增长一倍以上，各种电机及电器日益普及，电冰箱、洗衣机已成为日常用品。这时候，保罗-波列、夏奈尔、蒂凡尼等已经成名，尤其是保罗-波列，他豪华夸张的时装造型广受妇女，尤其是贵族和大资本家追捧。蒂凡尼等奢侈品商店中更是灯火通明。

但在转眼而至的“大萧条”中，美国企业破产l09371家，作为20年代美国经济繁荣标志的钢铁、汽车和建筑等行业的衰退更是明显。奢华的豪宅成为历史，城市中的无家可归者用木板、旧铁皮、油布甚至牛皮纸搭起了简陋的栖身之所。汽车成为摆设，甚至由于无力购买燃油，有人竟然改由畜力拉动的汽车。高档的时装不在有任何意义，露宿街头长椅上的流浪汉只能身盖报纸。

相较1929年，这次的经济危机对时尚行业的影响，无疑更大。因为如今时尚行业和奢侈品行业的容量，相比1929年已经不可同日而语言。已经有不少时尚行业的巨头出来放话，唱衰未来几年的时尚行业。全球第二大奢侈品企业历峰集团表示，由于全球两个最大经济体的需求减弱，该集团的潜在增速已降至10%，较之以往下降4个百分点。美国最大名牌手包制造商Coach也表示，第二财政季度，公司美国零售店的同店销售额下降了1.1%，而在2006年的圣诞销售季，该公司同店销售额上升了25.7%。Coach表示，交易规模的下降出乎公司“意料”。日本百货公司联盟的数据，跟去年同期相比，今年8月份，百货公司的销售量下跌了3.1%，是连续6个月以来的持续下滑。路易-威登敞亮的专卖店中，浏览那些价格最高达5,000美元的包、鞋和高级女装的客人寥寥无几。当这家LV店刚开业的时候，购买的长龙排到了店外。在印度，筹划了两年的新德里Emporio 购物中心近日开业，成为印度第一个奢侈品高级购物中心。这里的工作人员看起来很有信心，但该购物中心只有一半的地方进驻了品牌店，另外一半还空着。B&O是丹麦的一家全球顶级数发烧音响和家庭影院品牌，仅一个mp3播放器的价格就达到了约6000元人民币，今年一月份以来，这个品牌的销售量已经下降了63%，公司也已经连续3次调低了今年的销售预期。

就像一位年轻白领所说的：“我的一些朋友确实喜欢买设计师产品，但现在品牌已经不是最重要的了。我们现在谈的大多是食品价格，油钱，生活成本。”的确，经济危机时期的消费者会注重节约，减少奢侈品的消费数量，这已经是不争的事实。要是导购小姐还在怂恿你买高档奢侈品，一定要警惕。因为月底，高额的账单和公司解聘书可能同时到达你的邮箱。

2.时尚动物的主张是：宁被打死，不被吓死。宁可挨饿，也要血拼。

如果在繁荣时期，上面的口号被视作理所当然，可是在萧条时期，这不是自寻短见么？

等一下，也许他们说的不无道理，没准这真是捱过寒冬的好办法！因为有调查显示在1973 年美国石油危机期间，83 %的消费者承认自己比以前更经常地购物！并不是因为经济危机到来而视消费为洪水猛兽，而是迎着困难前进，为什么？难道时尚消费真的有如此魔力？

造成这个不可思议现象的原因是：一方面，消费是很多女性缓解生活压力的首选方法，而身处经济危机中，尤其需要放松心情；另一方面，在萧条的背景中，购物本身也是一种相对比较便宜的娱乐活动，而其，就算是本着挑便宜货的初衷，寻找、选择的时间也自然更长久了。

最近发表的一个研究称，经济衰退使得人们纷纷对自家经济状况感到担心，但是女性的忧虑更多，女性比男性更容易有经济上的不安全感。所以对于身处金融中的白领丽人们来说，节衣缩食也许并不是唯一的选择，在自己力所能及的范围内适度的消费，其实更是一种自我调节。已经有科学家通过试验证明了，购物既能帮助女性缓解压力、平衡情绪，也能帮助她们表达快乐、增加快感。就算身处萧条之中，女性也没有必要对自己过于苛刻，甚至导致生活质量直线下降。

不过，当大家都捂紧自己钱袋的时候，时尚产业便要面临如何引导大众消费的问题。其实，对于这个问题，时尚产业和奢侈品行业可以算早有准备。在1990～1991年的美国经济危机时期，美国的消费者都喜欢买大容积和大批量的产品，因为他们觉得这样比较省钱。同样的事情也发生在金融危机后的亚洲国家。于是在这个时候，“价格便宜量又足”的香水、化妆产品，就成为商家的首选。此时的消费者相对偏好一些低价格的品牌，因而购物的地点一般来说也会由以前相对高档的商店转向比较大众化的商店，比如，大型超市、折扣店和直销店等。精明的时尚产业自然会将这些地方作为自己的桥头堡，向大众推销自己的产品。

还有一个有意思的现象，在大萧条中，女性消费者尝试新鲜产品的意愿明显减少，在做出消费决策前，会进行特别仔细的调查和比较，而在购买过程中还会有特别激烈和反复的讨价还价行为。这让不少以往的推销方式无所适从。不过自然有商家认识到了这一点，他们抓住了具有多种功能的产品会比单一功能的产品好卖的机会，大做文章。比如，美国经济危机时期，有厂商推出一种新式口红，这种口红两头都可以用，可以涂两种不同颜色，结果很受欢迎。

上面说到的，只是时尚产业在危机中求变的一些表面、细节做法，真正能抓住非常时期女性心灵的，却是风格的转化。例如，夏奈尔风格的流行，甚至可以说有经济危机的一份功劳。由于萧条和恐慌不约会而至，保罗-波列那种夸张，豪放的帝国贵族样式已经风光不在，夏奈尔那种简单却实用的款式，却前所未有地深入人心。而且，夏奈尔女士也有着惊人的胆识，她不顾经济危机的影响，毅然决定拓展自己的珠宝事业。用廉价的塑料取代昂贵的珍珠宝石，用可以分拆组合的款式取代珠宝原有的复杂造型。这些改变让珠宝有了可奢华可简洁的全新概念，为萧条时期的女士送去了欢愉。

人类历史中每一次危机，都成了设计师展示才华的舞台。911事件后，有不少设计师都特意在自己的作品中增加亮丽的颜色，有趣的款式，为的就是让更多人能从痛苦和恐惧中走出来。“我爱纽约”这个经典LOGO又大红大紫起来。这次金融风暴也不例外。经济危机下的时装周，Marc Jacobs却开始挑战裙摆理论，模特们展示的迷你裙看上去短得几乎像没有了一样。Vivienne Westwood和Giles Deacon也推出了令人炫目的新系列。如同纽约精品店Bergdorf Goodman的CEO Jim Gold所说，女人们并不会因为经济衰竭而打消自己的消费欲望，而是希望能买点特别的东西回去。诚然这个世界已经一派萧条，但尽我们所能为生命增加一点色彩，又有何不可呢？如果说在繁荣中，人们看重的是时尚能彰显个性，那在危机中，我们需要它来温暖自己的心灵。危机总有结束的一天，只要生活在继续，真正的美就永远不会被埋没。这正是在经济危机中，时尚产业应体现出的价值。

人们总是在热烈探讨：设计是否改变了“我们”的生活方式？的确，从各个品牌的时装到香水，甚至卡迪拉克汽车和IPOD，设计让“我们”的生活拥有了无限的可能性。但这里的“我们”，总是自觉不自觉地指向那些有能力购买“设计”的人。如果你是一个南美洲贫穷干旱地区的居民，每年的收入比“山姆大叔”家人的零头都不如，孩子连上学的机会也没有，恐怕没人会觉得你的生活会和STYLE、DESIGN，以及那些堆放在老佛爷商场里的奢侈品有什么联系。

不过事实证明，他们错了。

法国著名设计师agnes b.联合运动品牌Veja推出了两款球鞋，采用的正是出产于此地的天然橡胶作为鞋底原料。为了保证鞋底的坚固，Veja自愿付出比一般市场高出两倍的原料成本价格，但更重要的是，当地的橡胶工人终于有了赖以为生的收入，孩子因此也获得受教育的机会。也许，他们的命运的轨迹将因此而彻底改变……

如今，已经有越来越多的设计师认识到，那怕地球村里的一个小小变故，也会对所有参与其中的人产生影响。从前，设计只是被当作为产品提升附加值，为股东赢得高额回报的工具，不过是枯燥的“投入-产出”游戏中必要的一环。而现在，更多文化观念和社会责任的内容被加进其中。设计，成为了创作一个“能引起诗意反应的物品”(Alessandro Mendini语)的艺术活动。它的价值，也不仅仅是让收支表出现盈余，而更多是在考虑，怎么让地球村民生活得更和睦、更幸福、更有尊严。

设计功能的这种进化，与最近方兴未艾的“乐活运动”不无联系。这个由美国社会学家保罗"雷在1998年提出，并以lifestyles of health andsustainability中每个英文单词的第一个字母组成的LOHAS概念，如今被几乎所有的设计师们奉为圭臬。仿佛一夜之间，“健康可持续性的生活方式”（乐活的直译）似乎成为人类未来前进的方向。为了它，设计师们放弃石油制品，改用可再生、可降解的天然橡胶；为了它，明星们也放下五彩缤纷的手袋，背上了名叫“我不是塑料袋”的帆布包；为了它，百年老店Louis Vuitton宁可延迟新款货品上架的时间，也要改空运为水运，因为这样可以减少高油耗带来的能源浪费和温室气体排放……

依旧有不少人对他们的做法感到费解，如此大费周章，耗资不菲，只为了那一点点改变，这样做值得么？请无论如何也不要质疑他人向善的决心。就像“好设计”传达出对美发自内心的向往一样，这些可能不值一提的举动，是我们力所能及的积极努力，带给他人的是将是对未来希望。当你在货架前挑选好一件用“良心”设计成的精美商品的时候，不用顾虑它是否会影响“我们”的生活方式，因为在世界的另一端，有一群人的明天，确实因为你的选择而改变了。

小黑裙的前生今世

前不久，苹果电脑CEO的史蒂夫·乔布斯（Steve Jobs）宣布，全线升级iMac电脑。与以前一贯以白色为主色调的系列不同，这一代的iMac电脑竟然只有黑色和金属色的搭配。苹果一向被奉为工业设计楷模，它的动作一出，再联想起日本STAR FLYER公司设计的黑色飞机，葡萄牙造纸商RENOVA生产的黑色厕纸等等，于是有人惊呼：“2007年是黑色设计之年。”

不过这话也就蒙蒙外行，要是传到时装设计师那里，准保让人家笑掉大牙。因为他们已经过了将近一个世纪的“黑色设计之年”。

1926年，夏奈尔女士设计的一条黑色小礼服问世，轰动整个时尚界，从此，时装设计词典里出现了一个专有名词——LBD（little black dress 小黑裙或者黑色小礼服）。被美国权威时尚杂志Vogue盛赞为“设计界的福特汽车”的LBD，因为它造型简练、穿着方便和易于搭配，适合所有年龄和所有场合，成为无数在衣柜前踯躅女性的救命稻草。

可能夏奈尔女士自己都没有想到小黑裙会有如此的流行程度，她最早的设计概念是让女孩子们摆脱束腰胸衣，舒舒服服地穿裙子，但是看上去又必须与众不同。于是，黑色进入了设计师的视线。在当时，这是离婚女性或者寡妇才穿着的颜色，同样，简洁可爱的设计风格也与那时的奢华风尚大相异趣。夏奈尔女士用一贯的反叛态度给LBD注入了新的灵魂——端庄下掩盖着活力，神秘里隐藏着欲望，在高贵和低调的悖反中让男人神魂颠倒，用华丽和简单的结合令女人趋之若骛。从此，又一件能让女人抚摩时永远心满意得的物品诞生了。

LBD的红透半边天，与众多明星的爱戴是分不开的。首先身体力行的就是夏奈尔女士，不过让它成为男人女人梦想的却是奥黛丽·赫本。1961年，在影片《蒂凡尼的早餐》中，奥黛丽·赫本穿着GIVENCHY设计的小黑裙登场。全世界的呼吸都凝固了。自此之后，奥黛丽·赫本和《月亮河》成为电影观众心中磨灭不去的烙印，当然，还有蒂凡尼和LBD。小黑裙再也不是充当救火队员的后备服装，档次从福特跃升为法拉利，变成人人都想拥有的优雅象征。由于LBD与生俱来的可塑性，更让几乎所有的设计师都尝试过改进它。从极简主义旗手JIL SANDER到奢华风格皇帝范思哲，从保守的基本款式到性感的露背装，LBD在天才设计师手中幻化出气象万千，从经典的优雅形状到足以胜任各种潮流指标的时尚装扮，各式各样小黑裙折射出的不仅仅有往昔传统的荣耀，更多的是时代进步的影象。而明星的选择的让LBD成为当之无愧的“时尚女王”， 朱莉娅·罗伯茨、妮可·基德曼、卡梅伦·迪亚兹这些举世瞩目的女星都是小黑裙的拥趸和最佳代言人。

有了前辈大师们的推崇，和一众明星们的追捧，LBD成为越来越多设计师创作的灵感来源，原本保守内敛的风格，在艺术家们的奇思妙想中成为最流行的时尚。领口、袖笼的位置被拉低到极限，无论如何也遮挡不了胸部的一片春光。而白色圆点印花与黑色面料之间的强烈对比，将小黑裙的味道从传统直接调到反叛。镂空透明的面料装饰把本来安静隐藏在LBD下的身体唤醒，让它们有了自由呼吸新鲜空气的能力。一直作为“优雅保险”的小黑裙，突然间充盈着肉欲的气息。而LBD和礼帽的搭配，和条纹长筒袜的搭配，就算是叛逆如夏奈尔，恐怕也难以想象得到。作为女性压箱底的“镇装之宝”，小黑裙在一轮又一轮的时尚嬗变中同样未能幸免。只是相比其他转瞬即逝的流星而言，LBD在和着潮流的舞步前进的同时，依然强悍地守卫着自己的传统。这让它逃离了变成时装纪念品的命运，得以见证一代代人展示属于他们的风尚。

80年前，LBD走上了时装的舞台，80年后，它依然在流行的聚光灯下保持着耀眼的光芒。这个仿佛和世间一切奇妙颜色与华丽款式作对的造物，现在却成了几乎所有时装专家们的第一推荐。也许，对于可以轻松拥有无数选择的时尚而言，懂得放弃反而拥有着致命的魅力。

世间再无引路人

法国时间2008年6月1日，一代时装巨擘伊夫·圣·洛朗在巴黎去世，享年72岁。从此，他那白皙瘦削的面容，轻薄纤弱的嘴唇，挺拔高耸的鼻梁，乱中有序的半长头发，敏感而锐利的目光，以及宽大的黑色玳瑁框眼镜，都将被封存进历史的相册，人们再也无缘亲见。但是，那连缀起来的斜体字母——Yves Saint Laurent，和他创造的无数经典设计一起，为时尚界留下一道永恒的彩虹桥，永远联通着服装的右岸和艺术的左岸。

1936年8月1日，伊夫·圣·洛朗出生于法属北非阿尔及利亚的奥兰，父母都是法国人。和老一代时装设计师多半出生贫寒不同，伊夫·圣·洛朗家境相当富裕，他的父亲是一名成功的商人，拥有保险事业及电影制作事业，祖上甚至有人曾被授予爵位。可以说不论是经济地位还是社会威望，伊夫·圣·洛朗的家庭都是名副其实的上流社会中坚。

由于生活在这样的家庭环境中，伊夫·圣·洛朗很小就能接触到各种高级时装珠宝，这也培养起他对美的品位。还是孩子的他，就已经开始为母亲的的晚宴着装出谋划策，开始为自己的娃娃剧玩偶制作服装了。从那时开始，他便把全部兴趣都放在了时装上。十岁生日的时候，伊夫·圣·洛朗许愿，希望自己的名字能出现在香榭大道上。相信他对这个愿望的实现从来没有怀疑过，但是大约伊夫·圣·洛朗自己都没想到，梦想变为现实的速度会如此之快。

让伊夫·圣·洛朗如此迷恋时装设计的另外一个原因，恐怕和他的性取向有关。伊夫·圣·洛朗很早就知道自己是个同性恋。但在半个世纪前，这种性取向毫无疑问被认为是一种伤风败俗的病态。为此，少年伊夫·圣·洛朗没少遭受来自同学的白眼和嘲笑。我们几乎可以想见，他纤细而敏感的个性，以及选择时装设计——这个当时还未受男性世界广泛认可的领域，多半与伊夫·圣·洛朗儿时的心境和遭遇有关。

不过，后来的事实证明，伊夫·圣·洛朗的选择再正确不过。他在1954年国际羊毛组织的设计大赛上崭露头角，成为巴黎时尚界一颗冉冉升起的明星（值得一提的是，伊夫·圣·洛朗当时获得的是第三名，而第一名的获得者正是当今时装界如日中天的“凯撒”——KarlLagerfeld，在第二年的设计比赛上，伊夫·圣·洛朗终于获得冠军）。十八岁时，伊夫·圣·洛朗高中毕业，进入著名的巴黎时业公会学校学习时装，但是他最后选择了辍学，并在Christian Dior的工作室中谋得一份工作。伊夫·圣·洛朗那改变全世界女性形象的传奇设计师生涯，也就此正式起步了。

1957年10月24日，法国时装界领袖，52岁的ChristianDior突发心肌梗塞离世，年仅21岁的伊夫·圣·洛朗临危受命，接管下老师未竟的工作。以如此年纪便在当时的世界时装舞台登顶，除了运气的因素外，也是对伊夫·圣·洛朗才华的肯定。要知道，Christian Dior在世时，工作室制作的三分之一的时装就是出自伊夫·圣·洛朗笔下。1955年，Rid Avendon为BAZAAR拍摄的著名时装片“Dovima与大象”中的礼服，即是由伊夫·圣·洛朗设计的。伊夫·圣·洛朗并没有辜负人们对他的期望。次年，他在Dior发表了第一个时装系列“Trapeze”。Trapeze系列带给人们明亮、灵巧、年轻的新气象，伊夫·圣·洛朗从此一炮而红。

然而，在ChristianDior担任首席设计师，并非那么轻松的差事，尤其对于有着强烈创新精神的伊夫·圣·洛朗来说。Christian Dior以NEW LOOK系列设计闻名于世，提倡的是女装的奢华感和对女性自然体态适度夸张的凸显，虽然号称“NEW LOOK”，但其精髓是对战前女装的继承和再创作。可是，时年二十出头的伊夫·圣·洛朗，却是在二战后席卷欧洲的新思潮中成长起来的，他对时装的理解更为激进和先锋，和Christian Dior的复古主义有明显的区别。这一点在伊夫·圣·洛朗为Christian Dior创作的时装系列中越来越清晰地表露出来。其中，1960年他以法国歌手JulietteGreco和垮掉的一代为灵感的Beat Look系列，无疑是最好的例子。鳄鱼皮夹克的狂野粗犷，运动剪裁迷你袖子的玲珑利落，黑色大外套的简洁实用，都为这个系列赋予了和Christian Dior大相异趣的街头风格。如果从现在的审美品位来看，伊夫·圣·洛朗的Beat Look系列将街头元素引入高级时装，是具有革命意义的尝试，在半个世纪后的今天，类似的设计手法受到广泛追捧。但在当时，这种“过火”的设计并不讨Dior老客户和品牌领导层中一些人的喜欢，也导致了伊夫·圣·洛朗最后和Christian Dior董事会的不欢而散。

1960，对于伊夫·圣·洛朗来说，注定不是一个充满幸福回忆的年份。由于当时他的故乡阿尔及利亚情况吃紧，这位时装艺术家应征入伍开始了军旅生涯。不用猜都知道，伊夫·圣·洛朗这样纤弱而敏感的上流社会公子哥，怎么可能适应艰苦严苛的军队生活？更别提他内向感性的性格面对粗鲁，毫无隐私可言的集体生活，只能用灾难来形容。于是，在这种折磨下，伊夫·圣·洛朗彻底崩溃了，他被送到南部的一家精神病医院修养。在治疗期间，医院给使用了电击治疗和大量镇定剂，以至于在今后的人生中，伊夫·圣·洛朗再也没有能摆脱对各种麻醉品的依赖。不过，在时装事业上的波折恐怕给了他更大的打击。Dior董事会以健康原因解雇了这位少年天才，旋即把职位交给了他曾经的设计助理MarcBohan。明眼人都知道，健康不过是Christian Dior高层的借口罢了。

但是，正如中国人所说——“福祸相依”，1960年的噩梦却给了伊夫·圣·洛朗重新选择的机会。在合作伙伴兼同性情侣Pierre Bergé的帮助下，伊夫·圣·洛朗脱离老东家Christian Dior，以自己名字命名的品牌，组建新的时装公司，由此开始了一段所有时装历教科书都无法忽略的传奇。

自1962年1月29日，伊夫·圣·洛朗品牌的第一个时装发布开始，几乎每隔几个年头，都有令世界为之一震的作品出现。从吸烟装到蒙德理安裙，从狩猎外套到鸦片香水，从中国风格到非洲情调，从为著名影星Catherine Deneuvs设计剧装到命名为“左岸”的成衣系列，60、70、80年代，伊夫·圣·洛朗在世界时装舞台上可谓呼风唤雨，他的每次出手都让人过目难忘，而且每每切中时代脉搏，成为引发时代风潮的话题级别作品。在创作欲望最旺盛的日子里，伊夫·圣·洛朗开始全面推进自己在Christian Dior工作室里没有完成的事业——为这个时代的女性重新树立形象。伴随着社会革新运动在全世界范围内方兴未艾，伊夫·圣·洛朗在时装中践行着“男女平等”的原则，而他用的方法就是被后来者推崇备至的“中性化风格”。

所谓中性化，简单说来，就是在服装上模糊男女两性的性征。二次世界大战期间，因为战时造成劳动力锐减，不少女性开始承担起平时由男性负责的工作。由于物资匮乏和工作需要，女性也开始尝试穿着男人们的衣服，以至于在战后一段时间内，女士服装的男装化倾向相当明显。不过，Christian Dior“NEW LOOK”的出现改变了潮流，强调女性的身体曲线（尤其是胸部和臀部），要求服装的审美感超过其实用功能的设计再次成为主流。

时过境迁，女权运动的蓬勃发展，让女性又一次开始重新审视自己的躯体。然而这次，她们需要的是已经不仅仅是能穿上男人的衣服，更要这些服装摆脱宽大、粗笨的传统形象，变得精致时髦起来。和战时不同，新时代的女性不但拥有选择的自由，还要有按自己喜好随意改变的权力。正是在这种思潮的影响下，伊夫·圣·洛朗设计出根据男士吸烟装改良的“LeSmoking”，它保留了男士礼服的几乎全部特点，却在剪裁上完全贴合女性身体，服装的轮廓玲珑雅致，成为女士礼服的经典之一；以男士套装为蓝本，但加宽裤脚以获得摇曳柔美感觉的设计；从猎装中借用粗犷感，再靠腰带来勾勒女性上半身精美的线条，这些都为中性化风格做了最完美的注解。

在改良男装为女士服务的同时，伊夫·圣·洛朗也在大胆抛弃着束缚女性身体的时装款式。他是胸罩最坚定的反对者之一，要求模特全部真空上阵，去展示性感的透视装。可以想像在40年前，这个举措会带来多大的轰动。

伊夫·圣·洛朗曾经说过：“在我的作品里，外在影响最大的来自男装，比如吸烟衫、连身裤和长裤套装。但艺术的感染力却扮演着核心的灵魂角色。”在审视他的经典作品的时候，我们不难发现其他艺术门类，尤其是绘画的影子。伊夫·圣·洛朗承袭了自夏帕瑞丽以降“服装画家”的传统，利用剪裁精美的时装为画布，创作着属于自己的艺术作品，其中最著名的要数他的蒙德里安系列和毕加索系列。这一设计手法从他热衷于收藏绘画大师作品的爱好上（尤其是那些曾经给予他灵感的艺术家如蒙特里安、巴勃罗、毕加索以及亨利马蒂斯）就能管窥一二。

在伊夫·圣·洛朗的时装中，我们也能经常看见各种异域情调融入。他的设计，不只体现时尚都市的风格，还表达了对未知文明强烈的好奇感。伊夫·圣·洛朗的中国情节早已举世公认，著名的“鸦片”香水据说就是东方之行的产物。上世纪70年代开始，他就开始选用大量的黑人模特，这在时装史中是前所未有的，他对黑人女性在时尚界地位上的提升，有着不可磨灭的功劳。同时伊夫·圣·洛朗也是第一个离开塞纳河右岸，在左岸开工作室的著名时装设计师。左岸是拉丁区，是穷人和贫困艺术家集中的地方，看来在伊夫·圣·洛朗心中，地位、名望、包装这一切的一切，远没有艺术本身来得重要。

也许正是伊夫·圣·洛朗对时装艺术的诚恳，让他在时装历史上留下了浓墨重彩的一笔。没有一位现代女性的衣橱和她们的着装生涯不曾受到伊夫·圣·洛朗的影响，很难找到一件大众熟悉的服装不是由他最先倡导的，你也很难找到一位后辈设计师没有从他那里汲取过灵感。这位终身沉溺于各种麻醉品，感情生活波折不断的设计师，有时连上台谢幕都需要模特的搀扶，但是却为近半个世纪的潮流画下了一道无比清晰的轨迹。更重要的是，这轨迹中饱含着自觉、自省、理智、克制这些现代人最缺乏的精神气质。所以伊夫·圣·洛朗看不上Tom Ford、加利亚诺们，当得知Tom Ford要离开Yves Saint Laurent时，他在电话访谈里毫不客气地抨击道：“这样最好。我并不欣赏Tom Ford设计的Yves Saint Laurent系列服装，他没有领悟我的精髓。趁现在还没被他毁于一旦，这个品牌还有得救。”的确，穿Yves Saint Laurent的女人也许不富有，更不愿抛头露面、搔首弄姿，但她能给你清楚解释《追忆似水年华》中的每个意象，相形之下TomFord的设计只适合为住进贝弗利山不择手段的三流女演员。伊夫·圣·洛朗时装中浓浓的精英（或者说知识分子）味道，很难为饱餐麦当劳，沉溺嘻哈乐的人们所理解。所以上个时代盛极一时的伊夫·圣·洛朗，在新千年里只能用晚景凄凉来形容。大众对他的兴趣，已经全都转移到性取向、酗酒、嗑药这些八卦上，他在大众心目中的形象，也从艺术家堕落成老顽固甚至老变态。除了放置在博物馆中供大家瞻仰，那一套套曾经照亮20世纪服装史的巨作，再也无人问津。人们在安享着老人遗留下来笔笔财富的同时，也毫不犹豫地将他扔到了时代车轮之下，“和光同尘”，“挫锐解纷”，直至老人身后那一片金光耀眼，BLING-BLING的“天下大同”。

2008年6月1日，艺术家伊夫·圣·洛朗离开了我们。

从此，世间再无引路人。

2007年，真是时装界的多事之秋。在我们目送詹弗兰科·费雷（Gianfranco Ferre）、伊莎贝拉·布罗(Isabella Blow)驾鹤西游后，又得到了意大利著名时装设计师——瓦伦蒂诺·加拉瓦尼（Valentino Garavani）告别的消息。所幸，这次只是退休。

2007年9月4日，瓦伦蒂诺公司发表了这位被视为意大利时尚界偶像级人物的退休声明。在声明中，瓦伦蒂诺·加拉瓦尼宣布将在最后两场新装发布会后隐退。根据安排，瓦伦蒂诺的高级成衣系列发布会将于10月举行，而高级成衣展则将于明年1月在巴黎亮相。瓦伦蒂诺在就退休声明发表的信件中说， “我想这是和时装界说‘再见’的最好时机”。

用罗马市长的话说：“罗马离不开教皇，罗马更离不了瓦伦蒂诺。”在范思哲、费雷这些意大利时装传奇人物陆续过世之后，我们又要遗憾地面对一个时代的终结。毫无疑问，这个时代，属于那些奢华的面料，那些精致的剪裁，那些优雅的造型，那些高贵的气质，当然这个时代也属于瓦伦蒂诺·加拉瓦尼，时装界优雅品味永远的守护者。

瓦伦蒂诺·加拉瓦尼，这个以后成为全世界贵妇人最好朋友的设计师，并没有什么值得夸耀的出身。１９３２年，他生于意大利米兰北部的一个工业小镇——佛杰拉城。1948年前，瓦伦蒂诺在米兰学习时装设计和法语。１７岁后，他移居巴黎，并开始学习时装设计，旁听时装界雇工联合会的职业课。学生时代，他就拿到了国际羊毛协会时装竞赛大奖。到１９岁的时候，年级轻轻的瓦伦蒂诺已经开始任时装设计师让·德拉（Joan Desses）的助理，这一干就是五年。后来他又成为法国著名服装设计大师盖·拉罗修（Guy Laroche）的助手和主要协作者。这个积累和实践的时期，瓦伦蒂诺收益匪浅，甚至可以说直接奠定了他日后将近半个世纪的时装设计风格。盖·拉罗修曾经与设计师皮尔·卡丹(Pierre Cardin)和圣洛朗(Yves Saint Laurent)合称“三王子”，他的设计向来以高贵优雅见长，着力展示出女性高雅脱俗的慑人气质，并注入独立不羁的时尚元素，是瑰丽浪漫与完美体态结合的艺术品。盖·拉罗修的设计选料着重演绎女性的自然体态美、讲究轻盈舒适。这些设计思路，我们都能在日后瓦伦蒂诺的服装系列中轻松找到。盖·拉罗修曾经说过：“我的意图是让高级定制服变成—种摩登的生活必需品，一种简单而时髦、别致的穿著法则。”这是盖·拉罗修对自己风格的评语。当然，我们也能看作是对瓦伦蒂诺·加拉瓦尼——这个优雅至上主义者的判词。

在巴黎的日子一晃即逝，50年代末，踌躇满志的瓦伦蒂诺由巴黎回到意大利，打算在自己的故乡开创一番事业。他先是于1959年担任伊勒娜·加利特赞公主(PrincessIrene Galitzine)公司的助理设计师，但很快，自己创业的念头就萌发了。当时，罗马是整个意大利的时装首都，瓦伦蒂诺毫不犹豫地选择了西班牙广场旁边的贡多蒂街，做为自己腾飞的跑道。1960年，他在意大利罗马注册创办了自己的时装公司。但是，好故事的开篇总是一波三折，瓦伦蒂诺并没有取得理想的“开门红”。创业伊始，他便遇到市场上无情的竞争。遍及大街小巷的时装店都拥有自己的主顾，瓦伦蒂诺几乎被人挤垮。那时意大利的时装行业，正出于整体起步的前奏阶段，还没有找到自己稳定的发展方向。整个意大利的时装产业，受制于邻国法国，只能做些“低档”的生意。一个没有任何影响和固定客户群的新丁，想在这样的市场环境中有所作为，其艰难程度可想而知。

按照瓦伦蒂诺自己的话说：“发了很多请柬，渴望吸引一些影星来参加我的时装表演。没有料到，有声望的影星一个都没来，一套时装也没有卖出，我完全失败了。整整8年我一直是个穷裁缝，直到第8年才挣到了80万里拉（约700美元）。”没钱租房的瓦伦蒂诺住在母亲的一个朋友家里，抽空还得为朋友做家务。在如此窘迫的环境中，瓦伦蒂诺依然苦苦坚持着他的时装梦想与风格。或者可以说，正是初期这种物质生活的贫乏，让他更义无反顾全身心地投入到为女性编织优雅梦幻的事业中，并为之奋斗了将近半个世纪。

虽然成功有些姗姗来迟，但瓦伦蒂诺在时装设计才华还是被有心人察觉到了。1962年，瓦伦蒂诺在意大利艺术之都佛罗伦萨的皮蒂宫举办了首场个人发布会，引起了评论界的广泛关注。1965年，瓦伦蒂诺被世界上最权威时尚杂志之一的《Women’s Wear Daily》誉为罗马最富明星色彩的设计师。1967年，他因为在时装设计中非同寻常的杰出贡献，荣获了时装界奥斯卡——Neiman Marcus奖。但是他正式登上世界时装设计的顶峰是在1968年的那次神话般的“白色收藏”展览上，全世界为这纯洁而多变的白疯狂了。这次展览也标志着扣子、口袋及妇女全套附属品上的“V”字的引入。瓦伦蒂诺的服装出现在《时代》和《生活》杂志封面上。60年代末，瓦伦蒂诺遇到学建筑学的杰卡罗·吉米迪（Giancarlo Giammetti）（后辍学成为他的商业伙伴）。吉米迪的企业管理才能，使瓦伦蒂诺的工作室迅速发展，遍及世界，获得巨大成功。至此，瓦伦蒂诺真正开始步入大师的行列。

伴随着声名鹊起，瓦伦蒂诺也为自己的品牌找到了最好的营利模式，并且将其一直坚持到自己离开时尚圈。成为上流社会中社交生活的制造者，这就是瓦伦蒂诺成功的原因。可巧的是，那个时候正值意大利电影盛名如日中天，好莱坞明星们纷纷来到意大利参见首映、取景或拍片。瓦伦蒂诺机敏地借这个东风，让自己的时装打入好莱坞市场，并为全世界所瞩目。伊丽莎白·泰勒是第一个被他的设计所吸引的影星。瓦伦蒂诺曾经向人说，“当时我的新闻官问她是否介意和瓦伦蒂诺先生照张相，她说，好啊，但你们必须送我一件裙子，然后她选了那个系列里最昂贵的一套”。现在看来这条裙子真是价值连城。正是伊丽莎白·泰勒在《斯巴达克斯》罗马首映式上穿着的白色礼服，引来了很多的明星主顾，为瓦伦蒂诺打开了进军好莱坞的大门。

从此，瓦伦蒂诺和电影明星，和好莱坞结下了不解之缘。莫尼卡·维蒂在安东尼奥尼电影《夜》中的那件黑色蕾丝裙，或者朱丽娅·罗伯茨得奥斯卡奖那年穿过的黑白古董裙，都是出自瓦伦蒂诺的手笔。甚至在去年的大热电影《穿Prada的恶魔》中，他也友情客串一把。瓦伦蒂诺正可以算新时代最有影响力群体——电影明星们最好的朋友之一了。

让瓦伦蒂诺成为全球最炙手可热设计师的机会，转眼就来到了。1968年10月，肯尼迪总统的遗孀Jacqueline身着瓦伦蒂诺一套白色蕾丝礼服与希腊船王 Aristotle Onassis登上婚礼殿堂。这场世纪婚礼不知吸引了全世界多少亿人的目光。此后几天内，瓦伦蒂诺罗马工作室的电话铃声就不绝于耳——几十位名媛贵妇要求定制同样的婚纱。这在讲究质个人风格、与众不同的高级时装业中，简直可以称为一段无法复制的神话。瓦伦蒂诺借助这场世纪婚礼，进一步奠定了他在时装圈里的地位。天生丽质的Jacqueline自然也成为瓦伦蒂诺最好的广告代言人。

从此之后，瓦伦蒂诺的时装频频出现在上流社会的各个角落。他的客户名单包括杰奎琳·肯尼迪、玛格丽特公主、西班牙皇室的Infanta Elene、Marie Chantal、美国第一夫人南茜·里根、戴安娜王妃……。几乎所有有头有脸的女人，衣橱里面必备一件瓦伦蒂诺的时装。她们都是Valentino优雅设计的追随者，因为只有瓦伦蒂诺，在这个逐渐街头化的时尚圈里近乎疯狂地坚持着上流社会传统的精致与典雅。也正是由于这种执着，使得她们对瓦伦蒂诺热爱的程度难以被常人理解，以至于被贯上Vals Gals（瓦伦蒂诺的女人）的称号。

当然，在街头潮流泛滥的时代，瓦伦蒂诺也并非不受丝毫影响，其公司的营业额也曾经有过大幅度衰退。但是，瓦伦蒂诺坚持自我风格的强硬姿态，足以让他从容面对任何但时间内潮流的动荡。瓦伦蒂诺曾经毫不隐晦的说过：“我就是专为有钱人做衣服的人。不给她们设计我为谁去设计？难道为那些在百货公司里买衣服穿的街头女孩吗？”他甚至不留情的批评当今最红的好莱坞明星“穿着松松垮垮的运动长裤在大街上东奔西走，活像是无家可归的流浪者，而在昔日，这种景象人们是绝对不会看到的”。而这些明星中，就有瓦伦蒂诺的顾客。并非因为瓦伦蒂诺和他们有什么私人恩怨，而是他始终坚信“过去，演员在与某家公司签约时必须承诺，走出家门在公共场合就得打扮得像个明星”，这才是堪为楷模的标准。在瓦伦蒂诺看来，女人就应该是性感、优雅、无可挑剔的，这个思想，已经渗透进他半个世纪的设计作品中，是他无可动摇的设计中心。虽然现在的人们看到瓦伦蒂诺的设计，总是感觉有些许重复和单调。但就像有人概括的一样：“瓦伦蒂诺代表着一种华丽壮美的生活和方式,体现着永恒的古罗马宫廷的富丽堂皇。”你又怎么能要求代表永恒价值的东西再不断改变形状呢？所以，我们欣赏瓦伦蒂诺时装的时候，应该更多着眼于发现轻盈面料下覆盖着的人体永恒之美，而不是靠滑稽的布料、搞笑的剪裁堆砌出来的奇技淫巧。

说到瓦伦蒂诺的坚持，最有代表性的就是他的用色。“瓦伦蒂诺红”现在已经成为一个专有名词，指的就是他对高纯度红色的偏爱，尤其是纯正的红色。在瓦伦蒂诺的设计体系里，应该保有着盖·拉罗修“简单而时髦、别致”的理念。他批评日本设计师提出简约主义以黑色为主色，让女性都变成小修女。这话虽然听起来不甚入耳，但是从一个侧面反映了瓦伦蒂诺不愿意让时装背负更多形而上的东西的取向，也能视为对目前“知识分子时装风格”的一种修正。因为在他看来，时装应该是很单纯的东西，体现得自然也是一种纯粹的愉悦情感。做为时装第一要素的色彩，还有什么比高纯度的颜色更能表现出这种纯洁与完美的喜悦呢？所以在瓦伦蒂诺的设计系列中，高纯度的单一颜色，永远是发布的重头。四十多年了，这个理念似乎一直没有丢失过，观众们也乐于看到他将一幅幅华丽壮美的颜色披挂在女性优雅性感的轮廓上。就像瓦伦蒂诺解释为什么在45年之后要重新设计“白色系列”，“因为只有白色才能体现高级时装的真谛，白色会把所有的瑕疵暴露无遗，无论是剪裁还是缝制工艺，白色时装的每一个细节都必须完美，这一季，我愿再次奉上白色，它是浪漫的，最具魅力和女性化的颜色。”瓦伦蒂诺对用色的坚持，对剪裁的坚持，对完美的坚持，是让他能在变幻芜杂的时尚圈里岿然不动，坚持近半个世纪而依然名声不堕的最好理由。

不但对时装设计执着着，连对脚下的土地，瓦伦蒂诺也一往情深。瓦伦蒂诺的创业生涯开始于罗马，这里曾经留给他最苦涩尴尬的记忆。在取得成功以后，有无数人建议他将公司迁往意大利后起的时装之都——米兰。虽然那里离巴黎更近，时装产业也更发达，但瓦伦蒂诺始终没有这样做。每天上午10点整,总有一位绅士乘坐豪华轿车准时来到罗马西班牙广场附近的一栋三层楼建筑。这里正是瓦伦蒂诺时装帝国的心脏。瓦伦蒂诺的忠贞也给了他应有的回报，他成为教皇之后这个城市里最有名的公民。在首次时装发布的45周年纪念中，罗马市长沃特·文特尼（WalterVertroni）告诉他可以选择罗马城的任何地方来举办庆典，并且允诺，在遗迹“真理之口”（La Bocca della Verita）附近建立一座瓦伦蒂诺的永久博物馆。这种殊荣，岂是随便一个裁缝能享受的？HBX中国数字艺术在线HBX中国数字艺术在线

最后，还是要说说瓦伦蒂诺和中国的故事。应第一届“中国国际服装服饰博览会”（CHIC）的邀请，瓦伦蒂诺带着他的意大利技艺，于1993年来到尚不了解时装为何物的中国。展览以6件印有中文的丝绸衬衣开场，全方位的向中国观众介绍了瓦伦蒂诺时装从设计到工艺的高超水平。瓦伦蒂诺曾经说：“在人类文明的历史上，没有哪一种文化表达形式能超过中国所曾达到的成就，那种至善至美的地步。在我们这个时代，没有哪一位艺术家在创造时不被中国艺术遗产所影响。我渴望用值得重视的感情去感受这个伟大国家里的人。在一种传统与变迁的奇迹般的结合中，在与当今西方世界进行最重要的经济和政治生活中，中国，正在享受一个恢复的丰产季节并且正在准备加入其中。”

然而，曾经对中国文化倾慕不已的瓦伦蒂诺，在中国市场的大门前迟疑了十年。直到11年后的2004年4月26日，瓦伦蒂诺品牌才与中国巴贝集团签订合作协议，将其男装系列中国地区总代理权交给了巴贝集团，而女装则迟迟没有消息。究其原因，恐怕一是顾虑中国市场的消费能力（瓦伦蒂诺的目标市场是名媛贵妇，这个群体在中国只能说刚刚形成），二是恐惧中国一些工厂的造假功夫，三是忌惮几个在标识上极其相近的欧洲品牌已经造成的市场混乱。在瓦伦蒂诺设计生涯中，没有把他引以为傲的优雅精致风格，亲手引入红色的国度——中国，不能不说是时装爱好者们一点小小的遗憾。

被誉为“服装界的天才建筑师”的意大利服装设计大师，Christian Dior的前总设计师Gianfranco Ferre（詹弗兰科·费雷）于6月15日突发大面积脑溢血后，被送往米兰的San Raffaele医院，经救治无效于6月17日病逝于米兰，享年62岁。

这已经不是今年时装界遭受的第一个打击了，五月份，著名时装杂志编辑、撰稿人Isabella Blow死于癌症，瞬间，时装界一片哗然，各种悼念文章在媒体上此起彼伏，扑面而来。谁料想一个月后，费雷又撒手人寰。人们还没有从损失一个伯乐（Isabella Blow就是Alexander McQueen和Philip Treacy，这两个目前炙手可热的设计师的发掘者）的痛苦阴影中走出来，现在又要去承受失去一匹千里马的巨大悲伤。

62岁，远远算不上高龄，但是却为Gianfranco Ferre，这个在时装界纵横30年的千里马划上了辉煌的句号。在这里，已经没有必要引用时尚界人士对Gianfranco Ferre的种种赞美之词，还是静静地思考这位将画笔、剪子、面料和针线当作雕刻刀一样使用的老人，到底给我们留下了些什么？

1944年8月15日，Gianfranco Ferre出生在米兰附近小镇Legnano的一个工人家庭。高中毕业后进入the Milan PolytechnicInstitute（米兰工艺学院建筑系），虽然他的专业是建筑学，但是也同时开始接触时装产业。在学校的时候，Ferre已经开始尝试进行一些饰品的设计。1969年，Gianfranco Ferre获得了建筑学的学位，并顺其自然的成为一名建筑师。但是，他并没有在“本行”中待太多时间，Gianfranco Ferre发现，时装才是自己的真正兴趣所在。

从建筑师转行到设计师，GianfrancoFerre并没有花费太多时间，也没有经历过多挫折。对Ferre来说，流行的服装和美丽的建筑本质上是应该是相同的。他从珠宝与配件开始起步，在沃尔特·阿比尼的手下进行饰品设计，并逐渐地向服装领域迈进。Ferre早期的工作引起了意大利一些著名的时装编辑的注意和兴趣，随后，Ferre去了印度，研究异文化中的服装制作技巧。这次的印度之行对Ferre以后的职业生涯产生无法磨灭的影响，使他对服装制作的环节有了更清晰独到的见解，也似乎让他的创作思路更理性。有个小故事也许能说明些问题。在某一次与时尚界的传奇编辑Diana Vreeland聊天时说到印度，Diana Vreeland说“印度人喜欢用粉红色，就象我们喜欢用深蓝色”， Ferre则回答道：“那是因为那里粉红色的染料最便宜。”

1974年，Ferre返回意大利。受到Franco Mattioli的委托，他设计了第一个女成衣系列。之后，委托人就成为了GianfrancoFerre生意上的合伙人。四年以后，1878年的10月，他同Gianfranco Ferre一起合建了Gianfranco Ferre公司，而Gianfranco Ferre也发布了自己第一个女装系列。从此，Ferre正式开始了自己在世界时装舞台上的表演。

之后，GianfrancoFerre的发展可以说是顺风顺水，他的设计中带有强烈的个人气息，让人过目难忘，极具特色的几何款式造型、综合建筑美学的服饰结构以及精美的剪裁技巧，让Gianfranco Ferre成为意大利时装产业的又一代表人物，国际影响力也越来越大，与同时代的范思哲、阿玛尼相比也毫不逊色。

1982年1月，Gianfranco Ferre发布了自己第一个男装系列。与此同时，GianfrancoFerre又扩充了其他产品线，从皮货到领带，从内衣到鞋子，品种丰富，这些产品也深受顾客的欢迎。紧接着，1984年，Gianfranco Ferre推出设计师品牌首个香水系列，并迅速热销，成为公司产品线中最热门的品种。1986年，Gianfranco Ferre在罗马跨出了关键的一步：发布了自己高级时装定衣的第一个系列。从此Gianfranco Ferre开始设计个人高级时装系列，迈入顶尖设计师的行列，并一度依靠自己的实力和影响里，位列巴黎高级时装周的特邀发布名单中。

真正让GianfrancoFerre名声大震的是他与Christian Dior的合作。1989年，Gianfranco Ferre受雇于LVMH，代替Marc Bohan成为Christian Dior的创意总监。伯纳德·阿诺特的这个决定震惊了法国时装界。要知道，Christian Dior这个品牌对法国的有着不可小视的重要意义。当年正是Christian Dior先生依靠自己的才华，将战后几乎变成一片废墟的法国重新带到世界潮流的中心，凭借的就是时装设计。可以说，Christian Dior让在二战中颜面扫地的法国人重新找回了自信。ChristianDior几乎是法国的标志，是法国时装设计的风向标和整个服装工业的指导，是民族自尊心的旗帜。现在一个来自意大利的设计师要来接掌整个法国的品味，任谁都会心存芥蒂。

正是顶着如此大的压力，GianfrancoFerre开始了自己的法国之旅。1987年，GianfrancoFerre在巴黎的处女秀“Ascot Cecil Beaton”一鸣惊人。同年，Gianfranco Ferre因设计Christian Dior的“赛西尔·比顿的宽领带时尚装”而获法国时装设计最高荣誉——金顶针奖。一时间，全法国都在赞美伯纳德·阿诺特的慧眼独具。

然而，度过了最初的蜜月期后，法国评论界发现，Gianfranco Ferre手中的Christian Dior和自己心中的Christian Dior有着太多的不同，以至于自己慢慢变得无法接受。时尚批评家开始不遗余力地炮轰Gianfranco Ferre，他手中的Christian Dior似乎成了众矢之的，时尚圈毫不留情地评价这场“婚姻”是“丑闻”，甚至有些恶意地否定了Ferre所有的创新和努力。1993年，著名时尚批评家Suzy Menkes曾写道：“结论再明显不过了，Ferre先生永远不会成为一位伟大的高级时装设计师。”她评价费雷的作品“在艺术上是的一个彻头彻尾的失败”。

平心而论，这种批评有欠公允。在我看来，Gianfranco Ferre在Christian Dior的遭遇，不是因为他的风格和Christian Dior定下的基调不和谐（事实上，在Gianfranco Ferre以前，Christian Dior经历的三个首席设计师本身风格差别就相当明显），也非几个评论家的好恶所决定的。恐怕，其中无人能抗拒的时代因素，起了更大的作用。

首先，ChristianDior创造的品牌之所以能让大家有如此的关注景仰，从很大程度上也要归结为时代因素。1945年，第二次世界大战结束，人们试着从惨痛的战争经验中走出，重新面对未来。这时的女性为了应对物资和劳动力的极端匮乏，纷纷加入工厂或农产的劳力工作。女士们像在战时无暇顾及穿着打扮一样，经常穿着丈夫的硬制衬衫工作或生活，时装的风格也是以军装、实用性、中性甚至雄性的方式演绎着，宽松的直筒剪裁与裤装，为的是让工作时行动方便自如，盛行的粗厚牛仔布质，因为它们更能耐磨耐穿，而用垫肩所做出夸张的肩部线条，其实只是希望自己能像男人一样强壮的自我安慰。这种风气，在作为同盟国支柱的美国中最为流行。

而就在这个时候，Christian Dior的NEWLOOK造型面市了。那强调女性优美线条的柔软肩线、束腰与大圆裙的时尚新款式，让所有观看的女性都倾倒不已，尤其是来自美国的媒体们，更是不遗余力地褒奖。Dior先生不仅仅创造了“NEW LOOK”，以及后来的“H形线条”、“A形线条”、“Y形线条”等种种新颖的造型，更重要的是他带领着女性走出战争和萧条的梦魇，重新开始了追求柔美、精致的梦想。“我们正远离战争时期，远离制服，也在远离一卡车一卡车招待任务的女兵。”Christian Dior如此说道。Dior先生最大的贡献，是用自己的天才提前抹去战争的阴影。法国在二战中过早被纳粹侵略，直到欧洲解放时才结束了被占领的历史。这段历史更让民族自信心处于低谷。无疑，Christian Dior的出现直接刺激了法国国民的自信心，美国尚且没有做到的事情，却在满目创痍的法国实现了。从此，时装产业的成为法国的“国民产业”，涌现了一批批才华横溢的设计大师。一时间，巴黎简直又重现了“世界艺术中心”的盛景。

但是在80、90年代，法国的时装工业却遇到了前所未有的挑战。首先，美国人用独特的商业理念横扫世界时装市场。其中的代表人物就是Calvin Klein的设计哲学。他说：“我同时发现美式风格的本质也具有国际化的特征。就象纽约，他并不是一座典型的美国城市，而是一座典型的国际都市。伦敦，东京或是汉城也是一样。居住在这些城市的人会对我的设计做出回应，是因为他们的生活和需求都十分相似。现代人不论居住在哪儿，都有其共通性。”正式基于相信这种都市人的同质化，美国设计师开始运用一些标签性的设计来攻陷全球市场。露骨的性刺激、大规模广告以及市场重点向低龄化倾斜，这些和传统法国时装大相异趣的设计理念和营销方式，成了他们屡试不爽的上乘手段。美国设计师的做法，也许传统的法国人深为不屑，但丝毫也无法阻挡这股潮流。1997年，首间Calvin Klein Collection franchisedstore在巴黎开设，标志着其蚕食欧洲市场的步伐越来越快。法国时装的统治地位在商业风暴的侵袭下显得摇摇欲坠。

面对美国的“空投”尚且应接不暇，怎奈还有意大利的“后园起火”。在法国高级时装如日中天的时候，意大利一直是做为陪衬存在的。而且，在中国这样的世界劳动力仓库打开大门前，意大利就是法国时装的加工厂。但是，从60年代开始，意大利政府加强了对服装产业，尤其是服装设计行业的扶持。1962年，在意大利时装工业局的支持下，意大利设计师们也效仿巴黎成立了自己的时装协会，这进一步让意大利时装在整体上出现了强势的景象。尤其是1979年，意大利政府通过米兰的时装展将时装产业整体迁移到米兰，形成了良好的产业结构和极具竞争力的集群效应，迅速让米兰成为了国际时装设计和贸易的重要城市。长期做为服装加工基地积累的工艺、板型、面料上的优势使得意大利时装具有极强的可穿性，精巧更具有亲和力的款式设计让人们愿意接近，而相对低廉的价格更让意大利成衣在竞争中处于上风。Armani、Versace、Moschino这些品牌开始慢慢抢走了原来属于法国的顾客。

同时，高级时装的全球客户和影响力也开始萎缩。众多法国高级时装品牌入不敷出（高级时装的成本一般人根本难以想象）纷纷关闭工作室，作为高级时装旗帜的Christian Dior自然也在痛苦中挣扎。

Gianfranco Ferre正是在这种情况下坐上ChristianDior——所有矛盾焦点的宝座，当初Christian Dior希望Gianfranco Ferre入主，就是看中了他继承传统而又改良传统的能力。但是事情的结果却使：保守的派别认为他的风格过分意大利，以至于只是能穿的衣服而不是“高级时装艺术”；急进派则觉得他的高级时装没有任何商业价值，不能全方位开发。学建筑出身的Gianfranco Ferre无法放弃他设计思想中的理性，可这种理性正是时装销售人员最不希望顾客拥有的。罗兰·巴特先生在《流行体系: 符号学与服饰符码》中，将流行服装定义为精于计算的工业社会为不懂计算的消费者编制的意义体系。真是要应了那句“卖的是疯子，买的是傻子”，品牌才能置之死地而后生。高级时装走到了这个时候，服装本身已经没有多少商品意义了，更多的是作为一个幌子来吸引更多人注意，以便提高知名度，来销售香水、化妆品等利润空间更大的副线商品。但是很遗憾，Gianfranco Ferre的设计无论如何也不能被形容为疯狂，这就意味着Gianfranco Ferre的Dior吸引不了眼球，也就意味着无法将商业利润最大化。再加上他颇为尴尬的意大利人身份，注定了巴黎的生活是愉快不了的。

Ferre曾经坦言自己没有背离Dior奢华浪漫的本质，也没有背弃Dior的忠实客户。我相信这位人品高洁的老人，所言不虚。事实同样也证明了，Gianfranco Ferre与Christian Dior并非真的那么不合拍。Ferre之后，John Galliano接手Christian Dior。这个年轻人用一种疯癫的态度，让高级时装在年轻人心中重新获得魅力，也一举改变了Christian Dior的品牌形象。John Galliano在这里大获成功，难道能说他与Christian Dior先生的风格就如出一辙么？

如果我们抛开这些让人窒息的历史潮流不看，Gianfranco Ferre的时装设计为我们留下了永恒的美与思索。他的艺术理念是：时装是由符号、形态、颜色和材质构成的，这种思维似乎受到建筑学很深的影响。建筑是在探讨大空间和人的关系，而时装则是探讨小空间和人的关系。《世说新语"任诞》中，刘伶说：“我以天地为栋宇,屋室为禈衣,诸君何为入我禈中!”将建筑缩小了就变成时装，而时装放大就是建筑。Gianfranco Ferre以他建筑师的身份，将关于人体表面空间结构的探索推进到一个新的高度。在他的设计中有很多建筑风格的影子，这一点毋庸置疑。Gianfranco Ferre把建筑中的几何美溶入自己的服装设计中，让时装有了一种雕塑般的质感。几何的本质是数学，而数学的基础是逻辑理性，Gianfranco Ferre将理性的思考溶入感性的审美中，这正是他最为人称道的思想。不过，Ferre的贡献不仅仅如此。他认为时装设计不仅仅是一门手艺，更是一种艺术，应该向人类一切已有的艺术形式借鉴经验。这，现在早已经是时装设计界的共识了。

Ferre对各种艺术的热忱不但表现在时装上，他还是一个狂热的艺术品收藏家。他更是一位负责任的老师，直到临终之前还在给意大利的普通大学生讲授艺术设计的课程。如今，设计师明星化风潮泛滥的今天，像Gianfranco Ferre这样平易近人的大师，已经着实不多。

顺便说一句，Ferre是最早和中国建立交流的时装设计大师之一。早在十五年前，Ferre就曾经和中国结缘。中国在筹备第一届“中国国际服装服饰博览会”（CHIC）的时候，为了获得国际性的关注，所以举办方力邀当时颇具地位的几位意大利时装设计师来华。阿玛尼和范思哲拒绝了邀请，但是Ferre和瓦伦蒂诺答应了邀请。这两位设计师和皮尔·卡丹（Pierre Cardin）一起来华参加了第一届博览会，并展出了自己的作品——这也是中国人最早熟悉的顶级设计师。2001年，Ferre又一次应邀参加上海国际上海国际服装节，而且他还是带着腿伤拄拐出席的活动。很多中国设计师，回忆起看到Ferre的作品和为人时的感受，都唏嘘不已。

之所以将唐伯虎列为第三等，并不是说他的才学不如何晏，而是因为出身。不好意思，现在的所谓时尚就是这样的势利眼，不信就去看看现在各个时尚杂志，不都是有钱的有名有权的当封面么？你可曾经见到乞讨的人领导过什么世界潮流？没有吧。不是因为咱们能力不够，而是因为这就是个见钱眼开的游戏。没钱没出身的，玩儿去。

唐寅是中国明代画家，文学家。字子畏、伯虎，号六如居士、桃花庵主。吴县(今江苏苏州)人。出身商贩家庭，父亲唐广德．母亲邱氏，少时唐寅读书发愤，青年时中应天府解元，后赴京会试，因舞弊案受牵连入狱，出狱后又投宁王朱宸濠幕下，但发现朱有谋反之意，即脱身返回苏州。从此绝意仕途，潜心书画，形迹放纵，性情狂放不羁。擅山水、人物、花鸟，其山水早年随周臣学画，后师法李唐、刘松年，加以变化，画中山重岭复，雄伟险峻，而笔墨细秀，布局疏朗，风格秀逸清俊。人物画多为仕女及历史故事，师承唐代传统，线条清细，色彩艳丽清雅，体态优美，造型准确，笔简意赅，饶有意趣。其花鸟画，长于水墨写意，洒脱随意，格调秀逸。

唐伯虎在旧时的读书人中，知名度可是相当的很高的。尤其是 “唐伯虎三笑点秋香”的风流韵事，成为家喻户晓的民间故事。旧时的一部《四杰传》风靡于民间，评弹“三笑姻缘”更是遍传于大江南北的茶楼酒肆，唐伯虎的风流荒唐形象正是通过这些曲艺的流传而形成的。早年的唐伯虎也同所有的读书人一样，曾经热衷于功名。他熟读四书五经，又才华横溢，少年时曾初露头角，高中了第一名案首，誉为“童髫中科第一”，唐伯虎成了全城读书人议论赞叹的中心人物。继而赴南京乡试，高中第一名解元，这是他一生中获得功名的最高峰。这都是够主旋律电视剧格调的情节。如果按照现在的流行说法比较，那就是中国设计师在巴黎时装周举行个人发布（而且还是开幕演出），或者16岁青年刻苦努力拿了诺贝尔文学奖或者考进哈佛，荣获“白宫世界精英青年男子奖”，绝对是领导潮流的中坚力量。

更酷的是，此后唐伯虎根本不领情了。这人以后官也不做，自己修了个园子，自己关上门陪老婆。明正德四年（1509年），唐寅在苏州城北的宋人章庄简废园址上筑室桃花坞，有学圃堂、梦墨亭、竹溪亭、蚊蝶斋等（亦称唐家园，遗址在今桃花坞大街）。他的后半生主要生活在桃花坞，一生中的主要艺术作品也产生于此。就像写书的打死不进作家协会，就算有文化部下命令也白扯，不管因为什么，这都需要一点勇气。

以后但凡再有些不向组织靠拢的文人雅士，都爱把唐伯虎弄出来当挡箭牌。不过人家的诗文丹青，乃至学识情操的确一流，但是后世的跟风者大半只记住了他的风流荒唐，全然忘记了他“闲来写就青山卖，不使人间造孽钱”的谆谆教诲。

估计看完上面的，已经有人暗暗骂街了。别着急，下面出场的是正宗古代时尚人士——何晏，虽然比不了屈原，但是在广大时尚青年那里，这个应该更有模仿的可能性。

何晏，知道的人不多。他是三国曹魏哲学家、文学家，字平叔。南阳宛（今河南南阳）人。汉末大将军何进之孙。何进被杀后，他的母亲尹氏被曹操纳为夫人，晏被收养。后来他又娶曹操女金乡公主为妻。何晏为人比较矫情，曹丕、曹叡都讨厌他，所以长期得不到任用。至正始初，曹爽执政，何晏才被重用，擢为散骑侍郎，迁侍中、吏部尚书。正始十年(249)，司马懿发动政变，何晏也作为曹爽党羽之一被杀。

何晏少时即以才秀知名，好老、庄，是魏晋玄学家代表人物之一，与王弼合称“王何”。他的作品，主要是散文和赋，散文多是哲学、政治论文，如《无名论》、《无为论》、《韩白论》、《冀州论》等。赋今仅存一篇，即《景福殿赋》，魏明帝曹叡在许昌建成景福殿，何晏受命而作此赋。此赋与东汉王延寿所撰《鲁灵光殿赋》，同为描写宫殿辞赋的名作。

不过这些东西算不上有多了不起。因为对于新时代的审美观念来说，干的好不如长的好，相貌永远比才华重要。何晏就是最好的例子。何晏长得漂亮，皮肤白皙，而且是货真价实的白。当时许多人认为何晏面如傅粉是因为搽了香粉的（那时候的男人有搽粉的习惯，一众帅哥都是粉扑不离手）。为此，魏明帝专门做了实验（够闲）。有一日天气闷热，魏明帝急召何晏进宫。何晏满头大汗地赶来，却没什么事，明帝只是准备了一碗热汤面给他喝。何晏一边吃一边用袖子擦汗，却仍然面容皎白毫无沟壑纵横的迹象，可见确实是真正意义的小白脸。于是，何晏又多了个花名：敷粉何郎。

南朝刘义庆的《世说新语》，就绘声绘色地描写过这段。“何平叔美容仪，面至白，魏明帝疑其敷粉，正夏月，与热汤饼，既啖，大汗出，以朱衣自拭，色转皎然。”

怎么样，这个终于符合当代时尚人的审美观念了吧。也算身出名们，也算有才学，更重要的是，人长的好，而且知道怎么打扮。《三国志"夏侯惇等传》注引《魏略》说：“晏性自喜，动静粉白不去手，行步顾影。”，还有记载他“好服妇人之衣”。基本上，何晏的形象和现在很多出现在电视里的时尚男青年类似，穿着自以为前卫，涂胭脂抹香粉，外带还要骚首弄姿。只不过现在的时尚男青年待遇比较好，可以整天不干正经事，还被人说成酷、帅、中性美什么的，要是会点乐器，画两笔画，用键盘敲几段“文学”，直接能当艺术家，连个考评都省了。而三国时候，大家没有这么帮闲，我们何晏大美男，最后被讨厌他并“求真务实、开拓进取”的司马懿，来了个一刀两断。

鲁迅先生对何晏的评价是：“何晏有两件事我们是知道的。第一，他喜欢空谈，是空谈的祖师；第二，他喜欢吃药，是吃药的祖师。 此外，他也喜欢谈名理。他身子不好，因此不能不服药。他吃的不是寻常的药，是一种名叫五石散的药。五石散是一种毒药，是何晏吃开头的。汉时，大家还不敢吃，何晏或者将药方略加改变，便吃开头了。五石散的基本，大概是五样药：石钟乳，石硫黄，白石英，紫石英，赤石脂；另外怕还配点别样的药。”

这人不但长相漂亮，极端自恋，还有磕药的嗜好，简直一个颓废青年的典型，难怪不招当权者待见。虽然才华不少，可架不住自己这么折腾，结果最后也没一个善终。现在大家说起何晏，除了专职的国学家，大半只记得他的“英俊潇洒，雪白干净”。不知道这算不算相貌好的负面效应，就像现在很多玩摇滚和行为艺术的青年，基本他们的行头都比作品有看头。如果再加上些不良嗜好，简直应了那句评论：“你何晏，你何晏，你们一帮全何晏”！

凑合看吧。大家。

时尚，从古到今，都是有钱有闲的人玩。其中，玩的最疯狂的，就要算各个时期的年轻人了。他们有时间，有精力，有对新奇事物的爱好，如果再有那么一点银子和社会地位，那简直就是天生的时尚圈内的奋斗者。世界时尚发展历史上，这些有着无穷热情的年轻人创造了数不清的新潮流。花花公子风、纨绔风、嬉皮风……让各个时期的老爷爷们都看到眼镜大跌。

不过，年轻人的创造力可不是只有在国外才能发挥，本乡本土的人，照样活的潇洒，玩得尽兴。不信，咱们就数数这古书里的时尚人吧。

一等时尚村民 屈原

屈原（约前339～约前278),名平。初任楚怀王左徒、三闾大夫。因主张彰明法度，举贤授能，联齐抗秦，受怀王稚子子兰及靳尚等人谮毁而革职。顷襄王时，屈原被放逐，他无力挽救楚之危亡，又无法实现政治理想，遂投汨罗江而死。

要说屈原，可以说是中国历史上最知名的时髦人士，而且，更重要的，他比许多只将时髦的年轻人，多了一份忧国忧民的情怀。这可是很值得人尊敬的，也一扫“时尚人士无大脑”的基本判断。如果把他拉到近代，屈原怎么也能和切·格瓦拉齐名。可是，咱们过世早，传下来的资料没有那么丰富，所以暂时也享受不了世界级别偶像的待遇。

要说屈原是时尚人士，你绝对不能不信。为什么？首先，人家出身高。屈原的远祖是颛顼高阳氏，应是夏氏族的一部分。据《史记·楚世家》说，高阳氏六代孙名季连，是楚的创业始祖。周成王时，季连的曾孙熊绎受封于楚，居丹阳(今湖北秭归)，传至熊通(一作达)，就是楚武王。其子瑕，封采邑于屈，子孙就以屈为氏，所以屈是楚国姓的分支。自春秋以来，屈姓历世都担任楚国的显要职位，担任高级官职莫敖的有屈重、屈完、屈荡(前后两见)、屈到、屈建、屈生等。

什么意思呢？简单说就是屈原是百分百的贵族。不但祖上论到三皇五帝，而且世代担任楚国的显要职位。比个光有贵族血统，只能靠卖唱为生的辣妹强太多了。贵族出身天生就带着时尚感，否则那么多高档楼盘、珠宝手表什么的，干吗要打着皇家血统的旗号？要是买臭豆腐出身，那多有亲和力。嚼谷着同时，把千万大宅拿下，省时省力，两全其美。干吗非要弄辆四轮马车当参观车，门口再放一对狮子呲水，费这劲为了什么？贵族品位！懂不？贵族贵族，不但要贵，而且要做足工夫。所以咱们三闾大夫底子好，根正苗红，都不用叨饬，天生时尚人士的料。

接下来，屈原的政治理想的内容是“美政”，即圣君贤相的政治。他认为只有圣君贤相才能改变楚国的政治和社会的现实，使楚国强大起来。他热烈颂扬古代的圣君如尧、舜、禹、汤、后稷、文王以及齐桓、晋文和楚之三后等，热烈颂扬古代的贤臣如伊尹、傅说、吕望、周公、宁戚、箕子、介子、比干、伯夷、叔齐、伍子胥及楚之子文等。

这可了不得啦。但凡顶级时尚人士，要的就是与众不同。在封建社会里呼唤奴隶社会，在资本主义社会里面呼唤封建社会，在共产主义社会里呼唤小布尔乔维亚。沧海倒流方显我时尚本色嘛。美其名曰：怀旧，保障弱势群体等等。没看每年都有几个顶尖时装设计师放弃使用动物毛皮的么？所以说，屈原是时尚人士精英中的精英，真心呼唤“YESTERDAY ONCE MORE”，人家为了“日月换新天”，命都搭了进去。比起咱们的一些所谓时尚人士，办个给希望工程捐款的拍卖，非要去最好的酒店，点最好的席面。要是没买到东西还急赤白脸和人理论，非说耽误了自己献爱心。有这工夫，不如赶紧离场吧。节省宴会大厅半个小时租金就够贫困家庭一年开销的了。

至于屈原在创作上的才华，简直没有什么可指责的了。《离骚》一篇就2400多字，表现手法上，却把赋、比、兴巧妙地糅合成一体，大量运用“香草美人”的比兴手法，把抽象的品德、意识和复杂的现实关系生动形象地表现出来。屈原作品，在楚人建立汉王朝定都关中后，便产生了更大的影响，“楚辞”的不断传习、发展，北方的文学逐渐楚化。就像现在最好的设计师，人家玩的是概念，等而下之的，才根据这些概念来做做什么流行趋势。所以比起现在口口声声说自己是时尚人士的男女，屈原高了不止一个档次，一开笔，写的就是“新概念”文章。至于什么华服峨冠，完全不放在眼里。看看诸位身边的时髦人，是不是还在花力气背那些拗口的外国名字？也就是比菜场大妈们多认识几个洋文而已。时尚？还差的远呢！屈原是真正的流行创造者，和跟风的二把刀相比，简直是侮辱了他老人家。

总之，屈原凭借高贵的出身、不凡的仪表、惊人的文辞、悲剧的一生成为时尚村里的首席偶像。那些完全不知道时尚应该是什么的品牌奴隶们，可以好好看看屈原的传记，学学他的辞文。整天法文不离口，DIOR不离手，当面叫HONEY，背后下黑手的尘世迷途时髦小男女，能学到人家一成，就是造化了。 ]]> 2007-10-29 18:15:16