http://blog.tom.com/jade.dy zh newblog.tom.com RSS http://blog.tom.com/jade.dy/article/1463.html     我不喜欢浮躁的东西，现在的艺术有很多是浮躁的，这是这个浮躁社会的产物，我不是批判，但我坚持自己的立场，我喜欢可以经得住时间考验的艺术品，每一个有艺术使命感的人都应该这样。
    张念正在为他的下一个展览做准备，他在今年要做两个展览，一个是4月份在时态空间的联展，另一个是一个个展，像他们这样的艺术家现在做展览就不是为了展览而展览，而是为了展览所带来的效应而筹划。
他的工作室很冷，只有一个电暖气，在这诺大的空间中这个小家伙显得微不足道，他说他的手在前一段时间冻得失去了知觉，但是依然不像戴手套，因为那样画画时没有感觉。
    他以前是搞装置的，之所以拿起画笔画画有一个很有趣的故事在其中，他说一次一个朋友送了他一张从日本带来绷好的画布，当他将第一笔油彩涂上去的时候，那种感觉用他的比喻就是像在触摸一个少女光洁的肌肤，因此他爱上了画画，我们大笑……
    他是一个很可爱的家伙，在我的眼中艺术家都很可爱（当然不排斥个别，很庆幸我还没有遇到），从他的举止上看不出他已经是40多的人了，还像个小孩子一样的卡通，而且我们的交流没有代沟存在，一切感觉很舒服，当我说他的画很耐看时他显得很高兴，就像是一个小学生受到老师表扬一般的兴奋，这就是我喜欢他的原因，我希望这种可爱的因素在他的性格中永远的保留下去。
当他拿出数码相机拍自己的作品时口中还一直念叨着这种新科技很受用，哈哈，很久以前我听一个艺术家朋友说他甚至不会用手机发短信时，我有点诧异，但后来我发现于变化中有一方属于自己的永恒的空间的可贵时，这一切都变得莫名其妙的亲切了，将这种可爱的天真永远持续下去……
    时间似乎可以遗忘很多东西，但在遗忘的同时他也让我们记住了很多，在这个处处充满变化的时代，在这个习惯遗忘的都市，让我把这份深深的敬意送给中国第一批当代艺术家们！你们真的很棒！ ]]> 2006-03-08 12:54:40 http://blog.tom.com/jade.dy/article/1462.html     我不喜欢浮躁的东西，现在的艺术有很多是浮躁的，这是这个浮躁社会的产物，我不是批判，但我坚持自己的立场，我喜欢可以经得住时间考验的艺术品，每一个有艺术使命感的人都应该这样。
    张念正在为他的下一个展览做准备，他在今年要做两个展览，一个是4月份在时态空间的联展，另一个是一个个展，像他们这样的艺术家现在做展览就不是为了展览而展览，而是为了展览所带来的效应而筹划。
他的工作室很冷，只有一个电暖气，在这诺大的空间中这个小家伙显得微不足道，他说他的手在前一段时间冻得失去了知觉，但是依然不像戴手套，因为那样画画时没有感觉。
    他以前是搞装置的，之所以拿起画笔画画有一个很有趣的故事在其中，他说一次一个朋友送了他一张从日本带来绷好的画布，当他将第一笔油彩涂上去的时候，那种感觉用他的比喻就是像在触摸一个少女光洁的肌肤，因此他爱上了画画，我们大笑……
    他是一个很可爱的家伙，在我的眼中艺术家都很可爱（当然不排斥个别，很庆幸我还没有遇到），从他的举止上看不出他已经是40多的人了，还像个小孩子一样的卡通，而且我们的交流没有代沟存在，一切感觉很舒服，当我说他的画很耐看时他显得很高兴，就像是一个小学生受到老师表扬一般的兴奋，这就是我喜欢他的原因，我希望这种可爱的因素在他的性格中永远的保留下去。
当他拿出数码相机拍自己的作品时口中还一直念叨着这种新科技很受用，哈哈，很久以前我听一个艺术家朋友说他甚至不会用手机发短信时，我有点诧异，但后来我发现于变化中有一方属于自己的永恒的空间的可贵时，这一切都变得莫名其妙的亲切了，将这种可爱的天真永远持续下去……
    时间似乎可以遗忘很多东西，但在遗忘的同时他也让我们记住了很多，在这个处处充满变化的时代，在这个习惯遗忘的都市，让我把这份深深的敬意送给中国第一批当代艺术家们！你们真的很棒！
璎莹
]]> 2006-03-07 18:25:24 http://blog.tom.com/jade.dy/article/1461.html 几天前又听朋友提起了这个展览，在很多人的眼里这个展览是雷声大雨点小，宣传很到位，可是却是失望而归……我有些忍不住了，我要说点什么。
在大多数人的眼里文艺复兴时期的艺术就是三杰的旷世名作，但事实却不仅仅这样，对于我本人来说我更欣赏文艺复兴早期的艺术品，那时的艺术带有一种理性和神性相交融的光辉，那是一种时代转型期瞬间弥留的产物，当把对神明的崇敬之情转入到艺术的创作之中再加入理性的关照，这就是文艺复兴早期的艺术特点。
在这个展览中，几位早期文艺复兴大师的代表作品都过来了，有波拉约洛的“女性肖像”、马萨乔的“激动人心的圣母玛丽亚”、波提切利的“帕拉德和人头马神”、卡拉瓦乔的“手提歌利亚头的大卫”，这些都是这些艺术家的一流的艺术品，其中以波拉约洛、马萨乔和波提切利更是文艺复兴早期的代表大师，而他们的艺术品也正反映了文艺复兴早期艺术的典型特点，一种神性的充满浪漫欢歌的宁静世界。
在国内大多数人的知识范围内对文艺复兴的艺术也只是局限在三杰的范围内，而这次仅有达芬奇的一幅小素描满足了观众这样的探寻欲，况且它还占了一个大展厅，二者是达芬奇的精品之作么？大师的创作根据不同时期也有高下之分啊，扣上大师的帽子就真的鸡犬升天了么？我在这里不是贬低达芬奇，他是我所喜欢的艺术家中排在第一位的，这样一个百科全书式的人物是无法不被人所敬仰的，我只是通过这一现象来说明一个很“时尚”的事实。
看艺术展览的目的是什么？无外乎充实自己的艺术欣赏趣味，提高艺术修养，扩展知识储备量，但是在进入展厅前要忘记固有的观念，就是说那些道听途说或者是固定程式的评价，艺术要靠自己来感觉，每个人的欣赏趣味是不同的，不要盲目的跟从。艺术需要每个人仔细的品味，不同时代造就不同的艺术品，根据时代来界定艺术的高下。
这是一个很不错的展览，一个展览不可能保证个个都是精品，但几个优秀的上乘之作的介入就可以完全将整个展览的灵魂抓住，将整个主题凸显出来，这已足以！
当然这个展览也有不足之处，那就是题目与内容的不和谐，说是意大利文艺复兴艺术展，可是文艺复兴盛期的作品却几乎罕见，整个意大利文艺复兴包括早期、盛期、中期和晚期，这方面是有缺陷的，不能不提，作为一个国家级的展览出现这样的错误是说不通的，可见策展方面的疏忽，从中也透露出国内策展的不完善。
对于我来说这个展览与去年的印象派展览是可以相提并论的，都是好的展览，好的展览我们是要接受的，他所透露的信息是丰富的，从中我们要取长补短。
希望以后这样的展览多来一些，希望我们接受大于漠视！
]]> 2006-02-25 12:13:26 http://blog.tom.com/jade.dy/article/1460.html 几天前又听朋友提起了这个展览，在很多人的眼里这个展览是雷声大雨点小，宣传很到位，可是却是失望而归……我有些忍不住了，我要说点什么。
在大多数人的眼里文艺复兴时期的艺术就是三杰的旷世名作，但事实却不仅仅这样，对于我本人来说我更欣赏文艺复兴早期的艺术品，那时的艺术带有一种理性和神性相交融的光辉，那是一种时代转型期瞬间弥留的产物，当把对神明的崇敬之情转入到艺术的创作之中再加入理性的关照，这就是文艺复兴早期的艺术特点。
在这个展览中，几位早期文艺复兴大师的代表作品都过来了，有波拉约洛的“女性肖像”、马萨乔的“激动人心的圣母玛丽亚”、波提切利的“帕拉德和人头马神”、卡拉瓦乔的“手提歌利亚头的大卫”，这些都是这些艺术家的一流的艺术品，其中以波拉约洛、马萨乔和波提切利更是文艺复兴早期的代表大师，而他们的艺术品也正反映了文艺复兴早期艺术的典型特点，一种神性的充满浪漫欢歌的宁静世界。
在国内大多数人的知识范围内对文艺复兴的艺术也只是局限在三杰的范围内，而这次仅有达芬奇的一幅小素描满足了观众这样的探寻欲，况且它还占了一个大展厅，二者是达芬奇的精品之作么？大师的创作根据不同时期也有高下之分啊，扣上大师的帽子就真的鸡犬升天了么？我在这里不是贬低达芬奇，他是我所喜欢的艺术家中排在第一位的，这样一个百科全书式的人物是无法不被人所敬仰的，我只是通过这一现象来说明一个很“时尚”的事实。
看艺术展览的目的是什么？无外乎充实自己的艺术欣赏趣味，提高艺术修养，扩展知识储备量，但是在进入展厅前要忘记固有的观念，就是说那些道听途说或者是固定程式的评价，艺术要靠自己来感觉，每个人的欣赏趣味是不同的，不要盲目的跟从。艺术需要每个人仔细的品味，不同时代造就不同的艺术品，根据时代来界定艺术的高下。
这是一个很不错的展览，一个展览不可能保证个个都是精品，但几个优秀的上乘之作的介入就可以完全将整个展览的灵魂抓住，将整个主题凸显出来，这已足以！
当然这个展览也有不足之处，那就是题目与内容的不和谐，说是意大利文艺复兴艺术展，可是文艺复兴盛期的作品却几乎罕见，整个意大利文艺复兴包括早期、盛期、中期和晚期，这方面是有缺陷的，不能不提，作为一个国家级的展览出现这样的错误是说不通的，可见策展方面的疏忽，从中也透露出国内策展的不完善。
对于我来说这个展览与去年的印象派展览是可以相提并论的，都是好的展览，好的展览我们是要接受的，他所透露的信息是丰富的，从中我们要取长补短。
希望以后这样的展览多来一些，希望我们接受大于漠视！ ]]> 2006-02-25 12:06:23 http://blog.tom.com/jade.dy/article/1459.html 日本美术对印象派和后印象派画家的影响
    1856年那本《北斋漫画》开启了19世纪60年代和70年代风靡巴黎并且由此向西方扩展的“日本绘画热”。所谓的“日本风格”主要是指按照日本绘画的方式画出一些比较琐碎的小玩意点缀在自己的作品之中。在19世纪80年代和90年代关于日本美术的评论大量出现，在当时西方人的心目中，日本这个国家遥远而新奇，正在变得越来越强大和重要，日本正在越来越倾向西方，这使西方人感到满意。日本人的美学观点给予西方人以启发。这就是经济实力的作用，它带动了艺术上随之受到尊重。下面我们就分析一下各位画家所受到的影响。
    马奈：马奈在浮士绘开始对印象派绘画产生影响时便接收调和了日本艺术所具有的相互冲突的两种特点：一方面是描绘显示风俗，另一方面是用线条和色彩来进行有力表现的技法，马奈将日本的艺术趣味、审美特质和表现手法加以调和，巧妙地融入自己的创作之中，而不露出日本风格的面貌，单纯平展的色彩、悉尼流畅的线条、简洁明朗的形象、大胆的构图，这些特点表现在马奈同一时期的作品中。如《奥林匹亚》、《吹笛少年》。
    德加：在德加的绘画中总保持一种平静感，他自己也说：“没有谁的艺术比我更冷静了。”他的绘画之美存在于纯形式的诗意之中，与形象本身包含的美或丑没有关系。在这点上他更接近日本的浮士绘画家。应该说，正是由于摄影术的进步，与日本浮士绘的影响，促使德加的绘画采用大胆的构图和有着微妙明暗关系的画法，并使之在作品中很好地表现出来。在他的《海滨浴场》中画家采用单纯的色彩和线条表现平面式的组合。
    莫奈：莫奈可能是热心寻求和购买日本浮士绘作品焦躁的印象派画家之一。1871年他在荷兰时曾买了不少日本版画，并且试着画了几幅使用单纯明亮的色彩、追求平面效果的风景画，在他后来的作品中，日本绘画的构图和装饰倾向依然存留，只是由于他那种明丽的厚涂色彩使人不易察觉而已。在他的那组伟大的作品《睡莲》中莫奈将艺术追求似乎完全不同的印象派绘画与装饰画结合起来。
    惠斯勒：他是最早倾倒在日本美术前面的欧洲画家之一，也是学习日本美术最为彻底的画家。他所描绘的对象，不是按照自然对象的本来面目，而是使客观世界符合艺术家主观对绘画的理解从而形成一种浪漫的学院派作风。正如乔治·莫尔所评述的那样：“惠斯勒是最不像印象派的印象派画家。作为艺术表现的对象他想到了自然，但又不去正视自然，他画他心中想到的东西，而不是画他眼睛看到的东西。”他最具日本情调的作品是在1875年以后画的许多题为《夜曲》的作品。惠斯勒的艺术创作热情有一种比莫奈、塞尚更加强烈的自我意识，这也是当时伦敦市民所喜欢的。
    凡高：在凡高的眼中，日本是一个有着清晰、简单的形体和艳丽色彩的国度。他原来接受的是晦暗的、注重线条的北欧传统画风，他后来转向色彩明丽的南欧画风，日本绘画的影响是促成这一转变的重要原因。充满动感的线条的表现和色彩组合的表现，这两个表面上矛盾的目的却可以调和起来。这是他从日本绘画得到的启发。在凡高的晚期作品中，线条和色彩的张力构成了均衡调和的美，正是来自葛饰北斋和安藤广重杰作的启示。凡高的作品受到了日本美术的影响，又超越了日本美术的影响，这便是他的天才之所在。
    高更：他是最早表示向往佛教艺术的欧洲画家。1889年他买了一些9世纪建造的婆浮屠巨大佛塔上浮雕的照片，这位他以后创作人物画提供了题材。作为实质上的象征派艺术家，高更常常将主观的理念置于现实的形体之上，他曾说过他是在努力寻求适合表现自己观念的形象。在他的塔希提岛妇女庄重美丽的身影周围有一种神秘的气氛，似乎这种将熄灭的文明中的秘密只能通过高更得自婆罗浮屠中那些沉默、遥远而又给人美感的可爱的形象来表达。对于高更来说象征主义艺术只是要表现那永远不能、也不必要用词语传达的思想。他曾说过：“我极力排除任何使所画对象给人以逼真错觉的东西。对于阴影，由于是光线造成的假象，我也尽量舍弃。不过，如果阴影是画面构图所特别需要的，那又另作别论。”巴黎后印象派的画风、日本装饰画的理想和爪哇佛教艺术高度抽象的形式主义融合一体，成为高更获得的伟大的艺术成果。
    劳特累克：劳特累克的艺术天赋的发挥并不在油画，而是在他所作的招贴画和石版画中，因为这种特殊的媒质更富挑战性，他与日本的“浮士绘”画家面对的是同样的问题——运用线条与平面的色块充分表达出自己的想法。不画出阴影便可以显示出对象的立体感，不依赖明暗表现便可以表现画面空间的深度，他的那种画面单纯的作品也与浮士绘一样，使用了黑色的色块与长长的曲线。
    以上这些就是日本美术对印象派和后印象派画家的影响，总的来说都是在画面的形式语言、色彩、题材、线条方面产生了影响，而在本质上很少，当然惠斯勒所受到的是更深度的影响，但这也只是与他的艺术个性相契合的，艺术上的影响，尤其是异域艺术的影响大体上都是这种表层的渗透，两个异质文化的接触也只能发生在表层，但表层的东西是可以对一种艺术发生质的飞跃的，如果当这是一种新的血液的输入，它必将带来一种鲜活的艺术面貌。 ]]> 2005-10-15 15:39:21 http://blog.tom.com/jade.dy/article/1458.html 西方文明的完型时代——古希腊
    西方文明起源于古希腊，在谈到文明发起的话题时这是被承认的最普遍的说法。但是在我们的思想里是否有这样的意识就是早在公元前4世纪在西方我们今天所拥有的哲学、艺术、文学、科学都已经在这片陆地上得到了完备性的发展，而我们现在所做的也只是在重蹈他们的覆辙。这是难以想象的事情，他们的成就是不亚于今天的，就像造房子一样，他们已经把构架搭好了，而且很结实，我们所做的工作无非是加点肉而已，我不是在贬低现代人的智慧，其实在智慧问题上是没有时间差距的。
    这片爱琴海文明，从发起时受到了对面古埃及的影响，但它作为一个航海的商业文明注定要开创一个繁荣的历史。在他征服了整个地中海之后他也将自身的文明带到了地中海的周围，他点亮了欧洲大陆文明的曙光。而在亚历山大东征之后他接触了来自东方的文明，虽然在此之前他就已经在亚洲拥有自己的殖民地了，但亚历山大对东方文化的迷恋使这种新的血液至上而下的渗入到了古希腊原初的文明体系中（在这种交融的过程中东方的神秘主义进来了），这就是我们所说的希腊化时期，通常所说的希腊在征服东方的同时自身的文明被东方所征服，但在我看来，希腊文明自身已经走到尽头了，如果没有亚历山大的东征，让其得以继续生长，他的辉煌也将开始进入低谷，而希腊化时代开拓了希腊文明新的领域，在广泛吸收的融合过程中给世界文化创造了灿烂的一页。最亮色伴随着最暗色，同理最辉煌的时期也就伴随着分崩离析，亚历山大所创造的辉煌是为历史所叹服的，他完成了不可能完成的伟业，他的时代是希腊历史的巅峰期，但随后这颗苍穹最耀眼明星开始渐渐丧失了昔日的光彩，直到最后为罗马所征服，“任何大国在未经自我毁灭之前是不会为他国所征服的”在最后阶段的希腊情况是“伐林与土壤的滥用、贵重金属的枯竭、贸易路线的转移、政治混乱所造成之经济生活的不安、民主的腐败与王朝的颓废、道德与爱国精神的衰微、人口的减少或品质降低、公民军队为雇俑部队所代替……”此时在哲学上以伊壁鸠鲁学派为希腊人所广泛接受，因为它是一种注重享乐的哲学，而与之相对的斯多嘎学派注重的是一种清教徒般的苦修，这被罗马人所推崇。斯多嘎的信念中很多成分是源出亚洲的，有些是特别出自闪族。在本质上，斯多嘎学说正是东方文明胜过希腊文明的一种重要表征。
    希腊艺术的发展在各个时期也有所不同。拿雕刻来举例说明公元前5世纪的雕刻大都摹临裸男和覆有摺缀衣服的女性；公元前4世纪却喜尚雕刻裸女与着衣男性。公元前5世纪把各类型人物理想化，也把人类生活的艰辛铸造或凿刻成无表情的塑像；公元前4世纪则无法以石像来表现每个人的特征和感情。男性雕像中头与脸越来越受重视，而身体则越不受重视；个性的研究代替了对肌肉的偶像崇拜；石像成为付得起价钱的人们极时兴的玩意儿。石像上身体的部分已不再是僵硬直立的模样，而是舒适地倚着拐杖或树干；而雕像的表面也做得颇有立体感。
    希腊文明并没有死亡，它在死亡之前仍然继续生存了几个世纪，而当它死亡之时(公元325年)却成为留给欧洲及近东诸国无可比拟的遗产，每一处希腊殖民地皆曾将希腊艺术思想的精髓倾注于其内陆的文化血液中。如果没有希腊的传统，西方的文学简直无法存在，他们的字母、文法、修辞、甚至标点符号及分段方式都是希腊人的发明。西方的壁画可从波利诺塔斯（Polygnotus）经由亚历山大城与庞培到乔托与米开朗基罗，以迄今日的壁饰寻出一条直线。现代雕刻的形式及许多技术仍传自希腊，因为希腊的天才在这项艺术方面所留下的标记实在是很难胜过的。古典时代的雕刻与建筑中所表现的那种适度、纯洁与和谐的教训，都是西方民族的传家宝。希腊人喜爱理性一如其喜爱形式之甚，他们曾依自然界的条件去揭示自然界，把科学从神学中解放出来，以及科学研究的独立发展是希腊人心智上任性冒险之一部分。几何、物理、机械、天文、生物、医学都显示了希腊科学可以作为人类显著的智慧成就。希腊的科学是希腊哲学的孩子，他们发明了逻辑，制成了完美的雕像，其根据的理由恰好相同：和谐、统一、相称、合适——依他们之见，这四项品质既提供了逻辑的艺术又提供了艺术的逻辑。关于现代生活的任何重大问题几乎没有未经他们提到的，唯实论与唯名论，理想主义与物质主义，一神论、泛神论与无神论，女权主义与共产主义，康德式的批判与叔本华式的绝望，罗素式的原始主义与尼采式的非道德论，斯宾赛式的综合法及弗洛伊德式的心理分析……一切哲学的梦想与智慧，无不以此为其始生的时代与地点。从这些来看这个文明是充满了现代化的气息的。
    文明不会死亡，只会迁移；其住地及装束虽有所改变，但必继续生存。正如个人的死亡为他人留下生存的空间一样，一种文明的凋谢也会有另一种文明代之兴起；生命脱去老皮，而于死亡之时突然现出新鲜的少年时期。这是一个珍爱自由、理性及美的母体，她产生了梭伦、苏格拉底、柏拉图、欧里庇得斯、菲迪亚斯、普拉克西蒂利、伊壁鸠鲁及阿基米德这些为世界所感激的人物。如果把希腊作为西方文明中晴朗的早晨，那么她同时也是给予西方文明营养及生命的不可或缺的源泉。 ]]> 2005-10-12 09:20:07 http://blog.tom.com/jade.dy/article/1457.html 关于第二届北京国际美术双年展的一点感想
    在世纪坛参加的第二届北京国际美术双年展让我有很大的感触。以前在国内看的艺术展与之比较起来都是小打小闹的玩意。在这次双年展的现场我深切的体会到了一股浓郁的艺术气氛，世纪坛的展区主要是针对国外的艺术，所以到场的外国艺术家特别多，他们也特别能放得开，整个展览都被一股国际氛围所笼罩，但却并不生疏，大家似乎都可以交流，都共处一处像朋友一样的沟通，而且艺术家之间的默契度也很到位，在这里语言已经不是障碍，因为共同对艺术的热爱让彼此拥有这一无国界的交流方式。
    此次双年展给我的第一感受就是一种传统的回归感，展览的作品以架上绘画为主，现抛开作品的创新度这个问题，单就这一题材的选取就是对其他双年展的突破，这就是策展人的理念的体现。
    我的第二个感受就是，此次双年展的女艺术家很多，个个州都有一批女艺术家加盟，可从侧面反映出中国人男女平等的观念是超过国外的，这些女艺术家的作品很细腻，很有灵性，这是对艺术领域的一股新鲜的血液，女艺术家用女人的独特视角来诠释艺术，它填补了以往男权为主的艺术界的空白区，为艺术界拓宽了新的领域。在我看来女性的艺术最可爱之处就是一种“爱”的抒发，那是女人由内而外的一种母性的流露，正如同整个人类因为有了女娲的存在而诞生一般，这是一种博爱，延续的概念，是一种最终归属的亲切感。这就是我眼中女性艺术的魅力所在，当然我在这里不是在高台女权这一敏感的话题，这是一个多元的社会，它允许各种事物的存在，只要它是合理的。
    美术馆的展区大部分是中国艺术家的作品。与世纪坛的比较起来美术馆的更有序些，而且对于国内的观众来说更好理解些，在总体的质量上是超过前者的。在本届北京国际美术双年展的入选者中，有一部分年轻的艺术家，作为后起之秀，他们对这次展览是很重视的，相对来说有一部分的“名家”反而有应付之嫌，也许是因为种种客观因素吧，但艺术作为艺术家的信仰自始至终都不应被抛离那份应有的责任感。
    这是北京举办的第二次国际双年展，有很多地方都还不成熟，但作为一个新生状态其原因也是可以原谅的，而且由于是新生的面孔也不被国外知名的艺术家所看好，所以导致他们作品的质量不高。这样的一个大型展览在主题的把握上是有难度的，而且文化、地域等等诸如此类的挑战也是很多的，况且我们的经验还是有所欠缺的（这种现象也同样发生在威尼斯的双年展上），所以这次双年展在主题明确与否的争议上也是可以说出其原因的，能办得好有谁不想办好呢？旁观者永远是“轻”的。
    无论怎样双年展基本已经结束了，观众对它的褒贬不一，但都不否认它是今年中国艺术圈的一大轰动性事件，而且让世界了解到中国对艺术的这种重视程度。我们也许可以很快忘记那些作品的样式，但那种亲临现场所感受到的气氛却是终身难忘的，它是可以感染每一个人的，让你的每一个细胞都在蠢蠢欲动，它让我们体会到艺术的价值所在。
    艺术的定义是与时代同步的，在当今它不单局限在作品上，而策展人的理念占有很重要的位置，艺术的生存空间在不断的扩大，我们再不能局限在以往狭隘的范围内来衡量艺术作品的地位了，要考虑的因素很多，有时甚至要牵扯到它所带来的经济效益，这就是当今艺术的某种衡量的准则，艺术活动本身的价值是不可低估的。 ]]> 2005-10-05 19:24:42 http://blog.tom.com/jade.dy/article/1456.html                                     ——董璎莹
    亚瑟·安日尔，这位法国当代艺术家的到来为我们带来一种新的绘画语言，这对中国的艺术界绝对是一个震撼。安日尔将自己的作品命名为铜板火画。咋听起来有一种武侠小说的玄味于其中，但如你亲眼目睹果真能被其作品所感染。
    西方的艺术家一向关注材料的应用，这可以上溯到文艺复兴甚至更远，他们对自己所用材料的了解类似于我们对鞋子尺码的了解，熟知于心，因此他们在驾驭材料方面是游刃有余的。安日尔就是这样的一个典型，他的铜板火画就足可以证实这点，其作画过程大体上如下：首先他在打磨得很光滑、很薄的铜板上用彩墨绘画，然后用火在画上烧蚀，这样铜与火与彩墨发生化学反应产生了一种与众不同的效果，他画面色彩所呈现的是一种天鹅绒般柔腻的感觉，而且金属铜在不同温度下所产生的不同色彩度他都掌握得很到位。他画面的色彩感给人一种原始味道，那是现代社会久违的色彩语言，在他的画面上多是纯色的运用，很少有象征工业文明的灰颜色，这不禁让我想起了印度莫卧儿时期细密画的色彩感。色彩的纯正恰恰是对个人心境的流露，一个历经铅华尘世的老人还有这样纯真的心境真是可贵。
    安日尔的绘画初看起来有一种抽象表现主义的味道在里面，但仔细再看发现不尽然，他的画还是有具体形象的，每幅画都有它的主角，人物的变形是基于物象本体而来的，抽象表现主义有一个公式：抽象表现主义=抽象语言+超现实主义的自动。而安日尔的绘画两者都不是，他不是单纯对形式的追求，他的形式是为其内容服务的，而且他作画时的主动性是一种服务于主题式的主动，与他的心境，与他对生命的理解相吻合，他将绘画上升到一个生命状态的高度中，而不是单纯对绘画本身的求索。
    他画中的神秘性和原始气息让人莫名其妙的有一种精神的归属感。是什么在牵引着你呢？当你带着这样的疑问去看他的展品时是在某种诱惑力的驱使下进行的，如同读一本悬念小说，你要找到答案。幸运的是答案就在身边，在展览的现场有很多雕塑作品，那是安日尔先生在非洲多贡地区收集的部落原始艺术品，他曾经在非洲的扎伊尔同伦达和巴卢巴部落的土著人生活了5年，这就给他作品的原始气息一个满意的答案。可见策展人匠心独运。
    面对着他的画面我同时有一种亲切感，那对我们来说是一种熟悉到往往容易被忽视的东西，这就是中国的书法美。以前我们听惯了西方人对中国艺术的了解往往关注于形式的说法，其实这在某种程度上是一种夜郎自大的心态，这个展览的策展人格利博达先生说：“我往往从一个人的房屋住处就能判断一个人的人品，同理中国的书法也是对一个人人品的反映”。在安日尔的画中我们看到的不仅仅是他对中国书法形式语言的利用，同时还有一种写意的成分于其中。这可能就是当局者和旁观者的差距吧，当我们还在为中国艺术的体例形式、水墨精神而绞尽脑汁的时候一个异文化的“入侵者”已经用自己独特的视角将其运作起来了。
    他的画大部分尺寸都比较大（这是受到材料的影响），画面给人一种扑面而来的感召力，如同一股强烈燃烧的生命之火，蓄有一种涌动的、蓬勃的，如宇宙律动般的力量，那是一种生命勃发的状态，蠢蠢欲动、狂暴、躁动不安、矛盾冲突，一种原初的不可遏止的混沌力量在主导着整个画面。这是一种生命的激情，一个人只有对生命充满了爱才会有这样的情感迸发。同时画面中还体现出一种单纯美，就如同小孩子天马行空般丰富的激情幻想，生命的可爱也不过于此，人类的懵懂和无所畏惧就是一种高尚的美，不要文明的介入，一切让它自然流淌，在自然中寓有我们生命的纯朴。
    中国的哲学思想在现代越来越被世界所关注，因为西方的哲学是以个人为中心的，但随着社会的发展，尤其是现在，这种个人主义的东西已变得不再适合当前的合作式社会了，而中国的哲学却是立足于整个社会，整个宇宙的一种道的学问，它是符合于当下的。安日尔的绘画就蕴含着中国的道家思想，“道法自然”一切不做过多的刻意修饰让其自然而然的发展，这就是他作画时的心态，自然往往给人意外的惊喜，所谓的“天人合一”在他的解释下就是他与画的合而为一，我们不要用我们繁琐的论调去反驳，其实它简单的理解往往正中要害。
    古希腊哲学家赫拉克里特曾说万物起源于火（我不想一味的套用这些陈词滥调，但当我真正体会到它时我必须要给以肯定），生命就如同熊熊燃烧的烈火，在宇宙的包容中生生不息，亚瑟·安日尔的绘画无论是对材料的运用，还是在绘画语言的传递上都充满了这种生命之火的燃烧感，这也正与展览的主题“生命之火”相吻合。谢谢你亚瑟·安日尔先生，你给我们带来了一个充满激情燃烧的世界，这是对颓废萎靡的现代艺术界有力的一击，我们的世界需要这种新鲜的有活力的东西，这才是我们所谓的艺术宗教带给世人的目的。 ]]> 2005-04-29 08:21:21 http://blog.tom.com/jade.dy/article/1455.html 2004-07-08 09:08:17 http://blog.tom.com/jade.dy/article/1454.html 2004-07-03 09:21:32